Genul minimalismului se dezvăluie în diverse forme de artă: pictură, muzică și literatură. A apărut în anii 60 ai secolului XX și a luat ființă ca răspuns la expresionismul abstract. Minimaliștii au încercat să se îndepărteze de trăsăturile expresive ale expresionismului abstract, întrucât au considerat aceste lucrări prea pompoase, subminând esența artei în sine. Dimpotrivă, artiștii genului minimalist au încercat să creeze o imagine din linii și figuri simple. Minimalismul se caracterizează prin interpretarea operelor prin ochii privitorului. În special pentru această opera de artă, toate obiectele complexe, mijloacele de auto-exprimare, biografiile și programele sociale sunt eliminate. Privitorul ar trebui să vadă imaginea așa cum este cu adevărat: plină de frumusețe virgină și onestitate.
Datorită accentului puternic pus pe elementele de bază, genul de minimalism a fost cunoscut sub numele de artă ABC. Majoritatea celor mai proeminenți minimalisti au fost sculptori, dar minimalismul a predominat și în Land Art, o ramură a genului care vizează crearea de artă sub formă de peisaje, în esență o ramură a designului peisagistic.
Minimalismul se concentrează și pe mișcarea luminii și a spațiului, dar mulți artiști ai acestui gen încearcă să înfățișeze golul în lucrările lor.
Se credea că minimalismul își are originea în Asia. Pentru munca multor artiști occidentali, așa cum este exemplificat de Agnes Martin, budismul zen a avut un impact uriaș. Vasta masă de artiști minimalisti a fost influențată de conceptul de „viditate” împrumutat din scripturile hinduse. Mono-ha a fost una dintre cele mai mari mișcări minimaliste din Asia. A fost prima mișcare de artă contemporană recunoscută internațional din Japonia. Mono-ha, denumită și „Școala Lucrurilor”, a apărut la mijlocul anilor ’60 ai secolului XX, iar apoi a devenit o mișcare artistică inovatoare. Acest grup era condus de Li Ufang și Nobuo Sekine. A fost singura asociație care și-a poziționat activitățile ca activități „non-creative”. Astfel de grupuri au respins ideile tradiționale de reprezentare. Dorința lor a fost să dezvăluie lumea prin interacțiunea cu materialele și proprietățile lor, similar cu tendința occidentală a minimalismului.
Vă oferim spre vizionare cele mai cunoscute opere de artă minimalistă, punând accent pe apartenența la acest gen. De asemenea, vi se vor prezenta picturi și sculpturi care distrug ideile tradiționale despre artă în general, deoarece au șters diferențele dintre ele.
Frank Stella "Bannere spre cer!" (1995)
Frank Stella, ca pictor, sculptor și gravor, este considerat unul dintre cei mai influenți artiști americani care trăiesc astăzi. Picturile sale, pline de dungi, precum și imprimeuri grandioase, au revoluționat nu doar lumea minimalismului, ci și a abstracției. Autorul notează că cea mai mare influență asupra operei sale a fost oferită de artiștii abstracti Pollock și Klein. Dar prin voința sorții, Frank Stella a devenit unul dintre părinții fondatori ai minimalismului.
"Banerele sus!" numit după cântecul de marș al naziștilor, dar totul, cu excepția numelui imaginii, nu pare să aibă vreo semnificație. Această lucrare face parte dintr-un mare ciclu al lucrărilor întunecate ale Stelei. Liniile luminoase, vizibile clar în imagine, sunt doar o pânză netratată rămasă printre dungi negre largi. Această lucrare monocromă este una dintre cele mai faimoase picturi care provoacă mișcarea abstractă.
Robert Morris, Untitled (Mirror Cubes) (1965/71)
„Untitled (Mirror Cubes)” de Robert Morris îl dezvăluie nu doar ca creatorul genului minimalist, ci și ca unul conceptual. Autorul a dat peste cutii mari, gri, din placaj și folosite ca decorațiuni, în timp ce interpreta încă la o companie de balet. În munca sa, el a acoperit aceste cutii cu oglinzi, schimbând astfel modul de percepție, adăugând noi proprietăți vizuale cuburilor gri simple. Compoziția vizează interacțiunea directă a privitorului cu obiectul: mergând printre cuburile în oglindă, privitorii se ciocnesc involuntar de ei înșiși și rămân parcă singuri cu gândurile lor, dar singuri cu toată lumea. Actul de a admira o operă de artă este întrerupt brusc de actul de căutare. Tocmai pe această bază are loc „invazia” spațiului galeriei. O persoană începe să simtă prezența artei dincolo de vizibil.
Agnes Martin, Înapoi în lume (1997)
Agnes Martin a pictat picturi care nu înfățișau obiecte în niciun fel, dar numele lor subliniau farmecul puternic al naturii. Lucrarea lui Martin a fost recunoscută printr-o grilă care combină minimalismul și schema de culori. Grila a fost folosită pentru a organiza spațiul pânzei. Ea a ajutat la crearea unei varietăți nesfârșite de lucrări liniștitoare în scheme de culori subtile.
Puternic influențată de budismul și taoismul zen, Martin a fost foarte detașată de lume pentru cea mai mare parte a vieții, chiar și a trăit în New Mexico. La 40 de ani, a fost diagnosticată cu schizofrenie. „Back to the World” a fost scrisă în al 9-lea deceniu de viață. La acea vreme, ea se afla într-un azil de bătrâni. Dungile de albastru, piersic și galben au continuat să sublinieze exclusivitatea artei într-o lume plină de corupție, așa că și-a redus dimensiunea pânzelor pentru a avea mai puține dificultăți cu ele.
Ellsworth Kelly, Roșu, Galben, Albastru II (1953)
Serviciul în timpul celui de-al Doilea Război Mondial a avut un impact clar asupra lui Ellsworth Kelly. Într-un fel, a fost folosit ca o observare a naturii și a arhitecturii, iar apoi a fost aplicat în practică. Un studiu atent al abstracției de către autor și aplicarea acesteia în lucrările sale a dezvoltat minimalismul. Seria de picturi „Roșu, Galben, Albastru” a influențat modul de pictură. A fost creat imediat ce Kelly a descoperit posibilitățile nesfârșite ale spectrului de culori monocrom, ale aleatoriei și compoziției cu mai multe panouri.
Roșu Galben Albastru II este format din șapte panouri. Panoul central negru este atât un panou despărțitor, cât și trei panouri pe fiecare parte. Panourile albastre de la capete accentuează compoziția lui Kelly. Această lucrare este considerată una dintre cele mai bune lucrări ale sale, precum și cea mai mare lucrare din timpul șederii sale la Paris.
Sol Levitt, Pereți pictați
Sol Levitt a pictat 1.350 de pereți în 40 de ani de carieră, dintre care 3.500 sunt instalații pe 1.200 de locații. Desenele au fost complet diferite: de la dungi drepte aplicate cu ardezie neagră, la linii ondulate multicolore, forme geometrice monocrome și spații luminoase pictate cu acrilic. Autorul a respins importanța tradițională a propriei mâini a creatorului, permițându-i să-i ajute pe alții în realizarea operei sale de artă. Picturile sale murale au luat formele spațiilor pe care le ocupau, prin urmare au fost supuse studiului în domeniul arhitecturii și artei.
Levitt s-a stins din viață în 2007, dar opera sa continuă să trăiască, pentru că spiritul artistului este încorporat în ele. În zilele noastre, există mai mulți artiști care refuză să-și recreeze picturile murale, permițându-le astfel să decoreze pereții din întreaga lume.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Rainbow Picket este o instalație de dimensiunea unei camere. Este format din șase trapeze, diferite ca culoare și lungime. Pe lângă prima expoziție personală de la Galeria Rolf Nelson din Los Angeles (ianuarie 1966), această lucrare a fost prezentată în expoziția fundamentală „Structuri de bază” de la Muzeul Evreiesc.Clement Greenberg, renumit critic, a vorbit despre această lucrare ca fiind cea mai bună din acest domeniu. În 2004, Pichetul Curcubeu a fost reconstruit, iar ulterior obiectul a devenit semnul distinctiv al LAMOCA „Viitorul Minimalist? Arta ca obiect (1958-1968)”.
Prin crearea unor astfel de lucrări, testarea posibilităților de culoare cu modelele și schemele spațiale create de ea, Judy Chicago a devenit faimă ca inovatoare în genul minimalist.
Dan Flavin, „Fără titlu (după Harold Joachim) 3” (1977)
„Fără titlu (după Harold Joachim) 3” este una dintre multele lucrări ale lui Dan Flavin. Este format din lămpi LED și cleme metalice. Autorul a studiat posibilitățile luminii fluorescente timp de trei decenii, realizându-și munca numai cu materiale disponibile în comerț. După ce a renunțat la conceptele expresionismului abstract, Flavin a început să folosească astfel de echipamente și apoi l-a introdus în lumea artei înalte. La prima vedere, lucrarea pare a fi cât se poate de simplă, dar dacă te uiți cu atenție, vei observa o profundă sofisticare a lucrării.
Lucrările lui Flavin tind să depășească spațiul în care se află, datorită jocului de lumină și a varietății paletelor de culori. Obiectele permit privitorului să se scalde în strălucirea caldă a LED-urilor, creând o ambianță specifică.
Eva Hesse, „O lucrare fără nume (bucăți de frânghie)” (1970)
Eva Hesse s-a născut în Germania. Acum o cunoaștem ca sculptor american inovator în lucrul cu latex, fibră de sticlă și plastic. Ea a pus bazele dezvoltării post-minimalismului în anii 60 ai secolului XX. Autorul a explorat proprietățile celor mai simple materiale pentru utilizare în ilustrații pentru mult mai mult.
„The Nameless Work (Pieces of Rope)” a fost creată în 1970, când Hesse era deja în pragul morții, și a fost finalizată cu ajutorul camarazilor săi. Expoziția este realizată din latex întins peste frânghie, fir de pescuit și sârmă și suspendată de tavan. Simulează un model încurcat în spațiu. Hesse s-a îndepărtat de puritatea tradițională a minimalismului, dar modurile ei de a prezenta materialul sunt percepute în cadrul genului.
Donald Judd, Job fără titlu (1980)
Donald Judd neagă vehement legătura sa cu minimalismul. În ciuda acestui fapt, el este unul dintre părinții fondatori ai acesteia. La începutul anilor 60 ai secolului al XX-lea, autorul a descoperit o anumită ostilitate față de valorile artistice europene, așa că s-a îndepărtat de opera unui sculptor și a început să creeze lucrări care nu puteau fi atribuite vreuneia dintre secțiunile de artă de mai sus. Lucrările sale au fost, de asemenea, expuse la Major Structures din New York.
În anii 1980, Judd a început să creeze rafturi suspendate, verticale. Un exemplu în acest sens este „opere fără titlu” (1980). Până acum, acest tip de muncă nu poate fi atribuit picturii. Nu o sculptură. lucrarea este realizata din 2 tipuri de material: aluminiu si plexiglas. Acest lucru se face astfel încât privitorul să se gândească la natura contradictorie a artei: figurile opace și obsesive din lateral sunt conectate la adâncimea spațiului din față.
Vă recomandăm să vizionați:
Înțelegerea MINIMALISMULUI în general, de ce ni se arată în muzee. Cum a început să se dezvolte minimalismul și cum ne-a influențat viața!
